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Becas BASE 2017: Ya tenemos ganadores

El jurado, formado por los tutores de BASE – Máster de Desarrollo de Proyectos (semipresencial/online), Iñaki Domingo, Quique Corrales, Nico Combarro y Jorge Panchoaga, después de valorar los trabajos de fotógrafos procedentes de trece países, ha decidido otorgar la beca BASE 2017 -que cubre íntegramente el 100% del coste académico del citado Máster-:

GANADOR

Carlos Aguilera Espinosa – “La General”

La general es la carretera que cruza el lugar donde nací. Un día actuó como origen y eje de crecimiento del pueblo. Aquí, funciona como una linea de acción que dirige la mirada. La conduce hacia objetos, personas y gestos que emergen como singularidades de la normalidad de la calle. Estos elementos, aparentemente banales, remiten a cuestiones relacionadas con la identidad y la historia de este lugar; conformándose así una imagen fragmentada y personal de este espacio que conecta, de forma mediata, con su naturaleza.


ACCÉSIT

Julieta Varela – “La Encantada”

“La Encantada” es un proyecto fotográfico de investigación basado en “La Leyenda de La Encantada”, nombre genérico que hace referencia a un conjunto de tradiciones orales y leyendas mitológicas narradas en numerosas localidades españolas.
A pesar de sus múltiples variantes, la leyenda narra la aparición de una joven peinando su larga cabellera con un peine de oro, en torno a la Noche de San Juan (23 de Junio) y en las cercanías de una cueva u otro paraje natural.
El proyecto fotográfico recupera el mito y actualiza el imaginario del mismo, otorgándole una nueva visión desde una perspectiva contemporánea,mezclando deliberadamente realidad y ficción, mito y autenticidad, evidencia y fabulación, utilizando para ello testimonios históricoarqueológicos y elementos fantásticos del imaginario colectivo.
El planteamiento visual del proyecto se consolida en una serie de fotografías y documentos cuyo fin último y materialización es un libro.


Nuria Martínez Ruiz – “Kermes”

La industria textil siempre ha sido cosa de mujeres. Sobra decir que me refiero a la mano de obra. Parafraseando a Kate Millet, “mientras nosotras amábamos (sustitúyase por hilábamos, tejíamos, teñíamos, cosíamos y un sin fin más de pretéritos imperfectos) los hombres gobernaban”. Y lo siguen haciendo. Se calcula que entorno al ochenta por ciento de la mano de obra en la industria textil la conforman mujeres. Sin embargo se estima que en los cargos directivos gira entorno al veinte por ciento.
La vulneración de los derechos de las mujeres sigue latente en las calles, en los puestos de trabajo, en nuestro círculo más cercano e incluso en nuestras propias conciencias, legitimándose por construcciones sociales que las mujeres muchas veces asumimos y de las cuales somos partícipes en ocasiones.
¿Cómo es posible que todavía tengamos que escondernos la compresa para ir al baño? ¿Cómo puede ser que nos duela la barriga en vez de los ovarios? ¿Cómo podemos aguantar que nos llamen locas? Estos actos son la consecuencia directa de un patriarcado represivo, porque ¿qué diferencia hay entre que te prohíban hablar de tu regla a que te condenen por hacerlo? Débil, histérica, inestable. Son algunas de las perlas silenciosas (a veces no tanto) que aguardan en el pensamiento del que nos condena.
Hablar de la regla incomoda. Se palpa en el ambiente. Se siente el pudor al hablar de
menstruación. Nuestra sociedad patriarcal la oculta y la rechaza hasta el punto de invisibilizarla a través de la desnaturalización (véanse anuncios de compresas y tampones donde mágicamente la sangre menstrual es azul. Aunque ahora que lo pienso, quizá se trate de sangre Real, por eso de ser princesas).
Y es que en realidad la sangre no es el problema. El problema es que es nuestra, de las mujeres menstruantes, y que sale por el coño. Por ejemplo, lo vemos claramente en el cine. Si Van Damme te parte la cara, esa sangre sí que es buena.
¿Qué ocurriría si la menstruación no fuera visible, si la sangre de repente no manchara?
Probablemente todavía seguiríamos en una caza de brujas. La mancha, tristemente, es la prueba. Como si tuviéramos que demostrarlo y la sangre nos salvara de las críticas por el desequilibrio hormonal u otros síntomas aparentemente invisibles. No. No nos salva pero, de no ser por ella, probablemente la menstruación sería completamente “invisible”.
Kermes es una reivindicación. Un reclamo de la menstruación como nuestro proceso biológico y natural. Y eso es lo que pretende, naturalizarlo y hacerlo visible.
La idea conceptual del proyecto gira entorno al textil en dos direcciones. En un primer lugar, Kermes es un homenaje a todas las mujeres del sector textil que, con su sudor (y su sangre) han levantado un imperio. Un homenaje a todas las mujeres que han perdido la vida en las fábricas (principal escenario histórico de reivindicaciones laborales y sociales de las mujeres) luchando por sus derechos, por su libertad. En segundo lugar, el textil como soporte de contacto directo con la menstruación. La mancha como la prueba de que la menstruación no es “invisible”.
Kermes es belleza visual. Una serie de fotografías construidas desde un punto de vista cercano, aunque no íntimo, en las que se establece un vínculo directo entre la sangre y el textil a través de planos detalle: gotas de sangre en un mar de fibras naturales, manchas uniformes que se asemejan a un campo de cultivo, … Cierta abstracción en algunas ocasiones invita a usar la imaginación sin perder la perspectiva buscando constantemente la armonía visual para desmitificar que, la sangre menstrual, pertenece al grupo de lo feo, lo considerado desagradable socialmente (desde el punto de vista de la estética filosófica) y demostrando que lo que la hace fea y desagradable es la construcción social que hay entorno a ella, entorno a las mujeres.
Kermes es el nombre de un pigmento rojo natural que se obtiene de las hembras de un insecto de la familia Coccoidea, concretamente de la especie Kermes Vermilio. Estos insectos habitan en Europa y Medio Oriente y viven de la savia de ciertos árboles. El ácido quermésico, que es la sustancia colorante de estos insectos, se extrae de sus huevos. Por este motivo se recolecta solo a las hembras en un momento del año en que estan cargadas de huevos. Tras la recolección se las deseca. Durante este proceso pierden dos tercios de su peso adquiriendo el aspecto de pequeñas semillas (de ahí que al producto también se le llame grana). Luego son pulverizadas y se obtiene el pigmento en forma de polvo rojo. De ahí el nombre homónimo del proyecto, ya que se asemeja metafóricamente con el proceso creativo y productivo del mismo. La sangre utilizada ha sido recolectada a través de una copa menstrual durante varios periodos menstruales.
El proyecto se presenta en la maqueta de un fotolibro / fanzine. Es un formato coherente con el proyecto, siendo de fácil y económica producción y distribución con la intención de intentar llegar al máximo de lectores posible.


Alex Lafuente – “Extrarradio”

Extrarradio es un proyecto fotográfico que narra esas mini-urbes creadas en la periferia de la ciudad, fruto de proyectos especulativos propios de la clase política. Proyectos de gran ambición pensados para el bienestar del ciudadano medio y sobre todo pensado para la práctica de un consumismo desenfrenado.
Pero, todos estos macroproyectos no llegaron a su fin, derivando hoy en día en espacios inacabados que destilan tintes de imperfección y decadencia.
Estos lugares cuentan con un gran tránsito de personas a lo largo del día, pero ¿qué es de estos sitios cuando la jornada laboral llega a su fin? Ocurre una vuelta a los orígenes. Se transforman en espacios huérfanos, en los cuales predomina un silencio sepulcral y la carencia de calidez humana. El propio ambiente que acecha estos lugares es capaz de articular mensaje y transmitir sensación de melancolía, angustia, desasosiego, tristeza e incluso miedo.
Extrarradio lo componen una serie de viajes hacia estos lares desamparados de la mano del hombre.
La utilización de una fotografía sintetizada y subjetiva enfatiza las emociones desprendidas por la atmósfera que rodea dichos espacios. Una fragmentación del entorno para crear un mundo ilusorio, donde el transcurso del tiempo parece haberse detenido y donde cada elemento de la imagen parece estar petrificado. Además de ello, hay una clara intención de trasladar al espectador hasta el lugar de la imagen, para así poder introducirle en un hipnótico estado mental.


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Becas FRAME de Montaje Cinematográfico: Enhorabuena a los ganadores

Las becas FRAME ya tienen ganadores. Como ya sabéis, la beca cubre el 100% de los gastos académicos de FRAME – Máster de Montaje Cinematográfico. El flamante jurado, formado por el trío de mosqueteros formado por Javier Chillón, Armand Rovira y Jose Manuel Jiménez, ha comunicado su veredicto:

GANADORA:

Delfina Lamas Gonnelli (Argentina)


ACCÉSIT:

Claudia Torres Martín (Tenerife)

José Hortelano Villegas (Murcia)

Patricia Ordaz Cruz (Barcelona)


FINALISTAS:

Alla Shadrova (Barcelona)

Damián Sansone (Uruguay)

Javiera Tiznado (Chile)


Lucía Blánquez (Uruguay)

Sergio Álvarez (Sevilla)

Roy Acuña (Costa Rica)

Juan Pablo Martínez (Colombia)


¡Enhorabuena a todos! ¡Gracias por participar en esta fantástica convocatoria! ¡Os esperamos en octubre!

Si necesitáis más información sobre FRAME – Máster de Montaje Cinematográfico, no dudéis en contactarnos.

Beca MAPA de Fotografía 2017: Enhorabuena a los ganadores

El jurado, formado por Paco Gómez, Ana Amado, María Platero y Daniel Mayrit, reunido alrededor de un surtido de bizcochos de múltiples sabores e idéntica textura, tras una ardua deliberación y al borde de alcanzar la ceguera ante la calidad de los proyectos presentados desde España, Colombia, Méjico, Argentina, Perú, Venezuela, Chile, Italia,
Ecuador, Brasil, Bolivia, Costa Rica, Cuba, El Salvador, Grecia, Guatemala, Hungría,
Nicaragua, Panamá, Paraguay, Uruguay y USA, hace público su veredicto y concede la beca MAPA 2017.

La beca MAPA cubre el 100% de los gastos de MAPA – Máster en Proyectos de Fotografía de Autor.

Aquí están los resultados:

GANADORA de la beca MAPA 2017:

Amanda Cots – “Zabriskie Point”

Hacer la ruta 66 había sido siempre mi sueño. Mi padre y yo nunca habíamos hecho ningún viaje juntos, así que decidimos hacer este viaje cómo una forma de retomar el tiempo perdido pero también cómo una forma de escape. Para mí, este era el último acto de rebeldía antes de entrar de lleno en la vida adulta (al finalizar el viaje me esperaba un trabajo estable y una vida lejos de mi hogar) y al mismo tiempo, la realización de este road trip se convirtió en uno de los pocos sueños de juventud que no abandonaría por esa otra vida adulta que llevaba tanto tiempo evitando.
He fotografiado cada rincón de la ruta 66 fijándome en el lado más cinematográfico y estereotipado del paisaje. Mi intención era fotografiar cada lugar de la ruta del modo en el que me había imaginado que sería a través de las películas, los videoclips y los programas de televisión norteamericanos.


ÁCCESIT:

Andrea Alonso – “Incendiario”

Un verano más, los habitantes de Néboa se ven amenazados por las llamas. Los turistas se asustan con las primeras tandas de humo. Hacen las maletas por si tuvieran que huir. Corren hacia sus balsas. Hay quienes esperan vigilantes. Hay quienes prefieren no mirar. El pánico disminuye cuando llegan las avionetas y el humo se difumina, y ya no hay de qué huir ni qué mirar, y los turistas pueden volver tranquilos a sus paseos y a sus días de playa, y todo queda cubierto de una inofensiva y anecdótica niebla.
Incendiario es un proyecto de ficción formado por imágenes documentales de los incendios que se produjeron durante el verano de 2016 en la costa gallega. Las imágenes están combinadas de tal forma que exista un diálogo entre el desastre y las víctimas, y es aquí donde reside la mentira, ya que ese diálogo no existe. Ninguna de las personas fotografiadas estaba prestando atención a los cielos encapotados. Existía una sensación de aceptación generalizada que era casi más desoladora que el propio incendio.


Benito Alcón López – “El tiempo de la materia”

Presento un conjunto de imágenes realizadas a partir del deambular por espacios “al margen”, moldeados a partir de la mano del hombre y de la acción del paso del tiempo.
Todos ellos cercanos en su forma a otras formas de expresión artística como la escultura o el specific-site art, comparten un fuerte carácter de huella y experiencia. Me interesa la dicotomía permanencia- impermanencia en la lectura de esos rastros, para poner atención en la línea temporal generada entre estos dos polos. Tras un primer acercamiento científico, acumulando evidencias (imágenes) y anotando fechas de registro, sumo unas notas al pie a modo de título, resultado de una lectura del tiempo y la experiencia concisa pero subjetiva y poética. Me gustaría abrir el proyecto a nuevos aspectos formales y de hibridación de lenguajes con vuestro seguimiento; donde ciencia, arqueología o cartografía, por citar unos ejemplos, se den de la mano para seguir ahondando en esa tensión temporal entre lo permanente y lo impermanente de las cosas.


Sergio Pradana – “Tierra”


Paola Luque Levano – “Fotografía artística abstracta de la percepción subjetiva de
Figuras arquitectónicas en Lima”

El presente proyecto consiste en promover la imaginación, el pensamiento
divergente a través de las imágenes, el tema de abstracción lo encuentro
dentro de la arquitectura, donde lo geométrico en las edificaciones es un
elemento fundamental dentro de mi búsqueda en la ciudad.
Las fotografías son realizadas en los lugares donde recorro a menudo en
mi rutina diaria, entonces quise darle otra mirada a lo ordinario, liberando a
las edificaciones de su contexto conocido y convertirlo en figuras abstractas
buscando mostrar formas, detalles, que sea difícil de identificar a donde
pertenece y darle una nueva singularidad, convirtiéndole en figuras
abstractas según mi percepción subjetiva y lograr que las imágenes causen
una reacción y que transmita una sensación.
El objetivo es poner en acción la pensamiento divergente lo cual es un
proceso donde surgen diferentes ideas a partir de un concepto, donde las
ideas vuelan y no pone barreras al pensamiento para dejarlo fluir libremente,
ya que en el arte abstracto uno observa lo que quiere ver, actualmente la
sociedad está contaminada por la tecnología y sus preocupaciones están
orientados a necesidades superficiales, por la simple posibilidad de obtener
todo tipo de información sin tener que salir de un terminado espacio ya que
limita al individuo de sus interacciones personales.
Por tal motivo se buscó que el ser humano al observar las fotografías se que
llegue a tener sus propios significados por medio de un lenguaje visual.
Sin embargo las imágenes están llenas de humanidad ya que cada edificio es
creado por el hombre.


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Becas IMAGINA de cine Documental: Bravo por los ganadores

Ya tenemos el veredicto del implacable jurado de la beca IMAGINA, que cubre el 100% de los gastos académicos de IMAGINA.DOC – MÁSTER DE CINE DOCUMENTAL.

GANADORA DE LA BECA:

Giovanna Pezzi (Brasil)


ACCÉSIT:

Laura Imery (Colombia)

Daniela Tuvo (Argentina)

Ilan Ezequiel Serruya Gorzalcznany (España)

FINALISTAS:

Aitor Zarzuelo (España)
Inés Espinosa (España)
Laura Tobón Echavarría (Colombia)
Óscar Falagán (España)
Rubén Rolando (España)
Julián Azcutia (España)
Risseth (Panamá)
Jorge Daniel Muchut (Argentina)
Delfina Lamas (Argentina)
Claudia Torres (España)

Desde LENS queremos dar las gracias a los participantes, procedentes de todo el ámbito iberoamericano. Y desearos toda la suerte del mundo en vuestros proyectos audiovisuales.

Si necesitas más información sobre IMAGINA.DOC – MÁSTER DE CINE DOCUMENTAL, no dudes en contactar con nosotros.

¡Nos vemos en octubre!

28% de descuento en nuestros talleres de fin de semana

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Un año más volvemos a desafiar a la lógica con un ofertón en todos nuestros talleres de fin de semana: básicos de fotografía, básicos de vídeo, de autor, de postproducción o de iluminación. ¿Las condiciones? ¡Bien fácil!

1. Elige el taller de fin de semana que más te guste
Inscríbete y realiza el pago online en www.lensescuela.es
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¿Crees que es una broma? ¡Prueba y verás!
#noseasinocente

Sergio Castañeira: las claves de Ciudad Sur

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© Sergio Castañeira

La exposición ‘Ciudad Sur’ del gaditano Sergio Castañeira, es la protagonista actual del espacio expositivo The Showroom. ‘Ciudad Sur’, que ahora puede verse por primera vez en Madrid, se inauguró en la Sala de Exposiciones de La Kursala en Cádiz. Hemos querido aprovechar la ocasión para charlar con Sergio Castañeira sobre su proceso creativo.

Sergio Castañeira (Cádiz 1979) es fotógrafo freelance. Se forma en diferentes talleres organizados por la universidad de Cádiz para luego continuar sus estudios sobre lenguaje y creación fotográfica en el Fotómata y en la Facultad de Ciencias dela Información de Sevilla, donde realiza el curso de experto universitario en fotoperiodismo y fotografía documental. A su vez, también ha recibido talleres con fotógrafos profesionales como Ricky dávila, Eduardo Momeñe, Andes Petersen, Jose Manuel Navia, Pablo Ortiz Monasterio o David Jiménez.

Su obra ha sido expuesta en diferentes festivales de fotografía como Sevilla Foto, Zaragoza foto, Jornadas fotográficas de Aracena, Festival Foco Norte, Barco da Prata (Lisboa), Scan Off Festival Tarragona, ICV visual Lab (Bristol), Festival de fotógrafos emergentes Pa-ta-ta, Photocopyclub (Londres), etc… Ha expuesto de manera individual en Sala La Kursala (Cádiz), con publicación impresa del trabajo ‘Ciudad Sur’, y ha participado en varias exposiciones colectivas en España y el extranjero. Ha sido becado, junto al colectivo el Cíclope Mecánico, por el programa de becas Fotopress de la Caixa en su decimonovena edición con el proyecto ‘El Frente’, que se ha expuesto en el Caixaforum de Madrid, Barcelona y Zaragoza, que se ha publicado también en formato libro.

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© Sergio Castañeira

¿Cómo iniciaste el proyecto Ciudad Sur?

El proyecto Ciudad Sur nace de ir fotografiando el entorno cercano y cotidiano que me encontraba a diario en la zona de Sevilla  donde vivía. Ese lugar es una especie de frontera urbana que separa la ciudad conocida, aquélla que aparece en los mapas turísticos, de la ciudad más desconocida y los suburbios. Mi idea era recoger mi visión de aquéllas calles que transitaba día a día a modo de diario visual de mi paso por ellas e ir mostrando esa atmósfera que sentía al caminar por el límite que separaba la ciudad. Al principio fue como un juego y un ejercicio para forzarme a fotografiar un espacio de 3 km a la redonda de donde habitaba. Luego, a medida que iba haciendo más y más  imágenes, me fui dando cuenta de lo oculto y lo extraño que puede llegar a ser el lugar donde transitas y vives la ciudad a diario. Quizás esa fue la llama que hizo crecer y coger forma a la serie y le otorgó sentido a todas aquellas imágenes que realizaba.

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© Sergio Castañeira

¿Cuál es su acotación temporal?

El proyecto tiene distintas fases. La primera, lo que es la toma fotográfica, dura más o menos 3 años (desde el 2009 al 2011) que es el tiempo que vivo en el barrio del Cerro del Águila en Sevilla y es cuando camino a diario haciendo estas fotos. Luego, al cambiarme de vivienda en Sevilla, me di cuenta de que las fotos que hacía ya no tenían nada que ver con la atmósfera de antes, por lo que di por finalizada esa primera parte. Más tarde vino la parte de edición de todo ese volumen de fotos, que fui haciendo a medida que me iba sintiendo más desapegado de las imágenes. Y finalmente, después de todo ese proceso y de haber ideado un par de maquetas, fue cuando apareció -digámoslo así- la tercera parte del proyecto, que es cuando tengo la posibilidad de exponer y editar el libro con la Kursala.

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© Sergio Castañeira

¿Cómo definirías tu forma de fotografiar?

Mi fotografía es bastante intuitiva, nunca salgo con nada premeditado en la cabeza cuando hago fotos, siempre voy con una cámara en el bolsillo. Disparo tal cual reflejan muchas imágenes de Ciudad Sur: en puro tránsito, muchas veces sin mirar, desde el estómago –literalmente-. Por eso  muchos de esos encuadres caóticos reflejan más un ritmo que algo puramente gráfico. En este trabajo también me interesa mostrar al individuo oculto como un elemento más de la ciudad, y esos encuadres fragmentados o asimétricos casan bastante bien con la idea que quería reflejar en el libro.

Respecto al blanco y negro, me interesa porque vemos el mundo en color y el blanco y negro es una manera de descontextualizar lo que vemos ante nuestros ojos para darle otro sentido, más alejado y expulsado de la realidad. Creo que tiene unos códigos de manejo que permiten crear mundos propios y espacios etéreos que controlo y domino más, quizás por influencias que no voy a esconder. El color me interesa, se pueden conseguir sensaciones parecidas y hay fotógrafos que lo hacen, aunque al final creo que todo se reduce a una elección de paleta cromática. Yo tuve claro que para este trabajo el blanco y negro con gran densidad, sobre todo de negros, iba a ser el marco para este proyecto, ya que recogería mejor la atmósfera que quería reflejar.

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© Sergio Castañeira

¿Cómo entras en contacto con Jesús Micó y la Kursala? ¿Es entonces cuando decides hacer un libro?

Jesús Micó realiza una lectura de porfolios en la Universidad de Cádiz. Ahí fue donde vio algunos de mis trabajos. Yo llevé en un principio una maqueta de otro trabajo mío, Lost Keys, que me había editado Pablo Ortiz Monasterios y estaba bastante acabada, pero él me pidió ver más trabajos míos y le enseñé una maqueta en una moleskine con fotocopias de imágenes de Ciudad Sur. Al final él se decidió por este trabajo. Creo que un proyecto, como dice Max Pam, son horas sobre el terreno, y esto fue un poco lo que argumentó Jesús, que aquí se notaba eso. También le interesó la visión diferente que el trabajo ofrecía sobre una ciudad como Sevilla.

Tuve siempre la idea de que el proyecto terminara en publicación, pero hubo un tiempo en que no lo veía claro. Ahí es donde Jesús Micó y la Kursala me ofrecieron la oportunidad de sacarlo adelante y formar parte de esa bonita iniciativa que desde la Universidad de Cádiz -y con un presupuesto modesto- tanto está haciendo por los fotógrafos contemporáneos emergentes de este país.

¿Cuál ha sido el proceso para la elaboración del libro? Nos hablaste de que el fotógrafo tiene que rodearse de profesionales de confianza, ¿quiénes han intervenido en Ciudad Sur?

Los fotógrafos tenemos la mala costumbre de querer hacerlo todo en nuestro trabajo. Queremos ser diseñadores, comisarios, editores, maquetadores,  preimpresores, distribuidores… y no nos damos cuenta de que nuestro espacio de acción es el de crear imágenes y no todo lo demás. Digo esto porque he tenido bastante suerte, ya que en este libro se han implicado muchos buenos profesionales y sin ellos no hubiera sido posible finalizar así este proyecto. Los primeros, Montse Puig e Israel Ariño de Ediciones Anómalas, por la confianza que tuvieron en este proyecto y por la labor de edición y de gestión en todo lo que concierne a la elaboración y distribución del libro. Hacerlo todo tan bien y tan fácil solo puede ser obra de personas que tienen un gran amor por los libros de fotografía y ha sido un placer formar parte de la familia anómala, donde hay tantos fotógrafos que admiro. Después el tándem que suele trabajar con ellos habitualmente en sus libros, Juanjo Justicia de Underbau en el diseño, y Eduardo Nave en la preimpresión, ambos con una experiencia brutal y con una claridad de ideas en el mundo del fotolibro. Desde el principio dieron con la idea final de como tenía que ser el libro y por mi parte tuve poco que objetar, porque dieron en la tecla de lo que yo tenía en mente.

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Montaje expositivo de ‘Ciudad Sur’ en ‘The Showroom’

Y… la pregunta final, ¿Qué será lo próximo?

Bueno, si algo he aprendido de este proyecto, Ciudad Sur, es que no hay que tener prisa, y me lo estoy tomando todo con más calma. Tengo varios proyectos pendientes de editar y ver qué salida les doy y en qué formato, ya que durante algunos años he estado en diferentes proyectos a la vez vinculados con el diario personal. También estoy empezando nuevas historias fotográficas, que quizás sea lo que más me llena en estos momentos. Lo bonito que tiene la fotografía es que no sabe uno como terminará o dónde le llevará ese proceso o camino que ahora estoy emprendiendo de nuevo.

  • ‘Ciudad Sur’ de Sergio Castañeira
  • Fechas: del 25 de noviembre al 13 de enero.
  • Localización: The Showroom, Lens Escuela de Artes Visuales. Paseo de la Esperanza 5. Madrid.
  • Horario: de lunes a viernes de 10.00 h. a 22.00 h.
  • Entrada: gratuita.